На всех сразу или хотя бы на одном. И, видимо, это неизбежно. Так или иначе, но темы классиков, их судьбы и их творческие открытия продолжают подспудно влиять на все последующее после них развитие американского театра.
Вот и недавно, попав на спектакль When We Where Young and Unafraid (”Когда мы были молоды и бесстрашны”), я в очередной раз убедилась в своем открытии. В то время, как огромная масса русскоязычной публики штурмовала основной вход Сити-Центра в надежде попасть на вахтанговского ”Евгения Онегина”, весьма скромный поток американских театралов просачивался в соседнюю дверь того же здания – на малую сцену.
Поясню, кстати, что первое отличие Бродвея от офф-Бродвея – не в затратной стоимости постановки, а всего-навсего в количестве зрителей. Так, бродвейскими называются залы на тысячу и более мест. Все, что менее тысячи, – это офф-Бродвей. Второе различие – в том, как долго живет спектакль.
Если, к примеру, успешный бродвейский мюзикл может идти годами, а то и десятилетиями, то офф-бродвейским постановкам уготована гораздо более короткая жизнь: от нескольких недель до нескольких месяцев.
Так, премьера спектакля When We Where Young and Unafraid состоялась 21 мая, а заключительный день ожидается 10 августа. Я смотрела его в дни премьерных показов, зал был заполнен нью-йоркскими ценителями искусства и критиками. Автор – молодая, но уже опытная сценаристка и продюсер ТВ-сериалов Сара Трим (Sarah Treem) (самый известный и последний ее проект ”Карточный домик” (House of Cards). Даже по нему ясно, что девушку привлекают социально-острые темы.
И здесь не обошлось. Наверное, людям, выросшим в СССР, трудно представить себе, что означало и означает феминистское движение в Соединенных Штатах, каким достижением для американских женщин явился, скажем, Violence Against Women Act, закон, защищающий женщин от насилия, принятый лишь в 1994 году. В общем, можно было бы сказать, что на этой теме и строится пьеса всего с пятью действующими лицами, из которых четверо – женщины. Время действия – 1972 год.
Место действия – маленькая домашняя гостиница Bed & Breakfast на отдаленном острове где-то в районе Сиэттла. В одном из интервью Сара Трим призналась, что ее всегда волновала тема равенства и, соответственно, неравенства полов, тема сексизма, различия людей по гендерному признаку.
И то, что действие происходит 40 лет назад, когда, по мнению 33-летнего драматурга, люди были более наивны, неслучайно. Именно тогда входила в период апогея борьба американских женщин за равные права.
Центр спектакля, его альфа и омега и нравственный стрежень всей идеи – главная героиня по имени Агнесс. Женщина в районе 50-ти лет, в прошлом медсестра, которая посвящает свою жизнь бескорыстной помощи женщинам, пострадавшим от домашнего насилия.
Причем делает она это вовсе не из каких-то там политических убеждений, скорее неосознанно, просто из чувства сострадания. Чрезвычайно надежный и обаятельный такой образ в очень точном исполнении актрисы Черри Джонс (Cherry Jones). И тут (внимание!) – первое пересечение с основной линией американского театра: несколько лет назад актриса получила высшую театральную награду “Тони“ (Tony Award) за исполнение роли Аманды в пьесе Теннесси Уильямса ”Стеклянный зверинец”.
И хотя между двумя героинями нет вроде бы ничего общего, в каждой из них не может не прослеживаться некое влияние пластического театра, чем так славен до сих пор старик Теннесси. Проявляется ли это в длинных паузах, которые уверенно держит актриса, либо в том, с каким достоинством она воплощает свою героиню, не знаю. Но, мне кажется, что после Теннесси Уильямса все актеры начинают играть немного по-другомуѕ
Агнесс живет не одна – у нее есть 16-летняя дочь Пенни (юная прехорошенькая телезвездочка Морган Сейлор (Morgan Saylor), это ее дебют на театральной сцене), которая периодически бунтует, словом, борется за свою личную свободу, как и положено тинэйджеру. И как любого подростка, ее на этом пути подстерегают опасности и неприятности, из которых должны, по идее автора, последовать нужные выводы. В конечном итоге, каждая из героинь делает свой выбор.
Толчком к началу действия служит ночное появление дрожащей и рыдающей девушки с огромным синяком под глазом в исполнении Зои Казан (Zoe Kazan). Мэри Энн (так зовут гостью) сбежала от мужа и, естественно, находит кров у милосердной Агнесс. На мой взгляд, это – лучшая роль спектакля.
А фамилия исполнительницы – просто-таки говорящая. Ведь знаменитейший режиссер Элиа Казан – именно тот человек, благодаря которому Теннесси Уильямс проснулся в одно прекрасное утро знаменитым! Это именно Казан поставил на Бродвее ”Трамвай ”Желание”, а после и одноименный фильм с Марлоном Брандо. Именно Казан, лауреат многих “Тони“ и “Оскаров“, основал в Нью-Йорке знаменитую Актерскую студию.
Уже после спектакля, заглянув в Интернет, убедилась, что все не просто так. Зоя Казан – необычная актриса. Она, как истинная наследница фамилии и достойная внучка знаменитого деда, – попутно еще и сценаристка, и драматург. Как, впрочем, и ее отец – тоже сценарист Николас Казан.
Там даже мама, и бабушка – соответственно, сценаристка и драматург. Династия. Возможно, Зоя впоследствии и уйдет из актерской профессии, но, надо заметить, играла она хорошо. Как, впрочем, и весь ансамбль. Каждый был легок и органичен в своей роли.
Самая экзотическая героиня действа – чернокожая девушка Ханна (актриса Чериз Бут (Cherise Boothe), символизирующая высшую ступень феминизма. Она и на женщину уже почти не похожа, скорее, такой хулиганистый парень, эмоциональный и крайне независимый. В образе Ханны весьма деликатно затронута тема сексменьшинств.
Однако меня в спектакле менее всего привлекла его социальная направленность, все эти гендерные игры, в общем, достаточно не близкие человеку, выросшему на другой половине земного шара. Близкой и понятной явилась общечеловеческая суть, заложенная во взаимоотношениях героев. Любовь, страх, сомнения, милосердие, разочарование, слабость, храбрость, трусость – все то, что абсолютно волнует абсолютно каждого. Везде и всюду. Независимо от стран, времен и политических систем.
Автору пьесы удались диалоги, образы выписаны вполне законченно и объемно. Режиссер максимально постаралась не сбиться на ложный пафос и построить спектакль вроде бы просто, но с растущим на глазах градусом напряжения. Кстати, режиссер – тоже женщина. Пэм Маккиннон (Pam MacKinnon), в прошлом году получившая “Тони“ за постановку пьесы Олби ”Кто боится Вирджинии Вульф”.
И несомненно (еще одна закольцовка на вышеупомянутых классиках!) многое из того спектакля перенесшая в этот. Простота жестов и мизансцен, концентрация на внутренних монологах, подчеркнутый драматизм каждого образаѕ И в результате работы всех: автора, режиссера и актеров вроде бы такая незатейливая история четырех женщин, волею судьбы оказавшихся в одном пространстве, захватывает и трогает.
Единственный мужчина в спектакле особой симпатии (как и следовало ожидать) не вызывает. Он на порядок слабее каждой из героинь, представляющих разные стороны одной медали. У меня не вызывает особого восторга слово ”феминизм”. Скажу иначе. Разные стороны явления Женщины в нашем мире.
