Отсюда и прибыло в МоМА 50 работ, больше трети экспонатов огромной, третьей за всю историю и первой в Америке за полвека, ретроспективы скульптурных творений Пикассо. По 7 февраля она занимает 11 просторных залов на четвертом этаже музея. И никуда больше не поедет, так что желающим ее посмотреть стоит запланировать поездку в Нью-Йорк.
Словосочетание «скульптуры Пикассо» предполает на самом деле великое разнообразие форм, материалов и комбинаций, потому что как и во всем, к чему он прикасался, Пикассо не только ломает привычные представления, унаследованные из прошлого, но постоянно меняет и собственный стиль. Практически в каждом зале выставки вы найдете «нового Пикассо»: потребность творчества была в нем так сильна, а воображение так безудержно и свободно, что в любых обстоятельствах, какой бы материал ни попался ему на глаза и в руки, он мог создать нечто удивительное, волшебное, странное, забавное, никогда, впрочем, не уходя в полную абстракцию, не изменяя принципу фигуративности. Как дитя, которому быстро наскучивают его игры, он бросает их и изобретает новые.
И как ребенок в отсутствии готовых игрушек начинает играть с любой соломинкой или дощечкой, так и Пикассо не нуждался в удобных мастерских и мраморе, чтобы заниматься своими «играми». Кстати, его любимым материалом был гипс – пластичный, легко застывающий и дешевый.
Известно, что он обожал мусор, «вытягивая» из старой проволоки, гнутого металла, поломанной мебели или ложечек для абсента самые невероятные композиции. При этом ухитрялся одновременно (как и в своей живописи) заимствовать у предшественников и коллег и всегда оставаться самим собой.
Выставка начинается 1902 годом, Пикассо – 21, он в Барселоне, но уже собирается вернуться в Париж, куда недавно ездил и где впервые увидел работы Родена, Дега, Гогена. Он пробует себя в разных стилях, материалах, техниках. А последняя по времени в этом зале работа — созданная в 1909 году «Фернанда» — женский бюст, в котором потрясенный африканским искусством парижанин Пикассо старается соединить кубизм и фигуративную портретность.
В следующем зале – работы 1912-1915 годов: увлеченный собственными (и Брака) находками в стиле кубизма, Пикассо преображает и искусство скульптуры: он создает свои кубистские барельефы-коллажи. На стене — знаменитая «Гитара» из кусков ржавого металла и ее соседка – копия из бумаги и картона, а в стеклянных витринах – уникальное семейство из шести «Стаканов с абсентом»: эти миниатюрные шедевры из раскрашенной бронзы похожи на головы в лихо заломленных шляпах, они элегантны и остроумны. Созданные в 1914 году, они впервые (с той поры, как покинули мастерскую Пикассо) встретились на этой выставке.
Пройдет больше десятка лет, прежде чем Пикассо создаст следующую серию скульптурных работ. В 1928 году он начнет работать над памятником его близкому другу, скончавшемуся от инфлуэнцы в 1918 году поэту Гийому Аполлинеру. Разным проектам так и не воплощенного памятника отданы два зала выставки, и здесь вы найдете совсем другой стиль – близкий рисунку, лаконичный (форму «рисуют» черные металлические пруты), граничащий с абстракцией, но никогда не переходящий за эту границу. Пикассо никогда не повторяется: последняя модель памятника Аполлинеру, который предполагали установить на кладбище Пер-Лашез, — чувственная и совсем не траурная «Женщина в саду».
Растущий успех дает Пикассо возможность работать с куда более крупными формами, у него появляется первая собственная скульптурная мастерская, и в следующих залах нас встречает большая группа гипсовых портретов Марии-Терезы (названных, впрочем, расплывчато: «Женская голова», «Стоящая женщина», «Женский бюст», а там, где представлены работы 1933-37 гг , бронзовая «Женщина с вазой», которую Пикассо поставит у входа в Испанский павильон на Всемирной выставке в Париже (1937), где будет выставлена его «Герника».
В годы войны Пикассо из Парижа не уезжал и хотя выставляться ему, как «декадентскому» художнику, было запрещено, он продолжал работать, сделал мастерскую в ванной (говорил, что это самое теплое место в квартире) и даже ухитрялся тайком отливать скульптуры в бронзе, что тоже было в войну запрещенной деятельностью.
Послевоенные залы – самые забавные, пестрые и густонаселенные. Летом 1945 года художник впервые после большого перерыва, связанного с войной, возвращается на юг Франции, и кажется, что его работы этого времени по сей день освещены солнцем его любимой Ривьеры. Смешные фигурки животных, вазы в форме совенка или женских головок, трогательная «Коза», вазы с цветами (раскрашенный гипс) – он снова играет: с глазурью, красками, размерами, повседневными предметами, деревом (10-й зал), металлом (последний зал, с фигурками из листового железа, созданными между 1954 и 1964 гг.). Как будто видит мир и все в нем, что имеет вес и форму, в первый раз.
Вы уйдете с этой выставки с улыбкой, заряженные энергией мастера, сохранившего в себе любопытство и фантазию ребенка.
Хочу только предупредить: не пытайтесь найти около экспонатов выставки название, год создания и другую информацию. В залах – только скульптуры и по одному комментарию из нескольких абзацев в начале каждого раздела. Все остальное найдете в белых буклетах у входа на выставку. В этой системе, которая поначалу может показаться неудобной, есть несколько позитивных моментов: ничто не отвлекает от разглядывания собственно работ и у каждой меньше толчеи, и к тому же есть что взять на память и для дальнейших размышлений.